Dwanaście wybranych ilustracji z załączonymi do nich krótkimi opisami ukazuje wielkość i wielostronność twórczości Paula Klee. Na półkę i na ścianę to seria albumów zawierających 12 całostronicowych reprodukcji w dużym formacie. Wysokiej jakości druk pozwala dostrzec wszystkie detale, a format umożliwia oprawienie ulubionego dzieła.

Żaden inny artysta nie był tak blisko związany z okresem secesji jak Czech Alfons Mucha. Dwanaście prac prezentuje jego barwną i tryskającą życiem sztukę plakatu.Na półkę i na ścianę to seria albumów zawierających 12 całostronicowych reprodukcji w dużym formacie. Wysokiej jakości druk pozwala dostrzec wszystkie detale, a format umożliwia oprawienie ulubionego dzieła.

Cisza i wola życia to retrospektywna wystawa artysty pochodzącego z Japonii, od 1959 roku mieszkającego i tworzącego w Polsce. Prezentujemy wybór prac powstających od lat 60. do dzisiaj — obrazów, rysunków oraz kluczowych w jego dorobku instalacji. W perspektywie historycznej wystawa jest podsumowaniem dokonań twórcy, którego artystyczna tożsamość osadzona jest w szerokim kontekście: sztuki polskiej, modernistycznej, podejmującej wartości uniwersalne, ale też nasyconej estetyką i wartościami Wschodu. Najstarsze obiekty na wystawie, tzw. obrazy pruszkowskie z lat 60., oszczędne w formie, ukazują początki drogi twórczej Kojiego Kamojiego. Właściwy im minimalizm i użycie prostych, łatwo dostępnych materiałów to cechy charakterystyczne wszystkich jego prac. Najczęściej używane materiały: sklejka, kamienie, metalowe pręty, aluminium, papier — współtworzą formalny i konceptualny rygor dzieł, budują zagadkowe korespondencje, niepoddające się jednoznacznej interpretacji. Nawiązują do japońskiej estetyki, jak np. cykl białych obrazów, instalacja Dwa bieguny (1972) zestawiająca abstrakcję z umieszczonym centralnie kamieniem czy Cisza i wola życia (2018) wywodząca się z tradycji ogrodów japońskich. Prace o przestrzeni, powietrzu i wodzie niosą ślady osobistych doświadczeń — długiej podróży do Polski. W innych powracają wspomnienia tragicznych wydarzeń — samobójczej śmierci przyjaciela w cyklu Księżyc Sasakiego (1995). Instalacje Kamień oświęcimski (1988) i Hiroshima (1995) dotykają traumatycznych doświadczeń zbiorowych. Kompozycje Martwe natury (2003) są wyrazem uważnego odnoszenia się artysty do otaczających go przedmiotów. Nieobca jest mu także refleksja nad przemianami sztuki, artykułowana np. w serii obrazów poświęconych średniowieczu czy w tworzonych od kilku lat rysunkach, które odwołują się do tradycji Wschodu, ale również do początków europejskiej abstrakcji i poszukiwania w niej transcendencji. Sztuka Kamojiego przesycona jest pragnieniem dotknięcia istoty egzystencji, rzeczy, świata; przejawem intuicyjnego odczuwania natury i buddyjskiej duchowości.

Szkice Zygmunta Turkiewicza spod Monte Cassino stanowią najwartościowsze dzieło sztuki z kampanii włoskiej 2. Korpusu Polskiego. W kolekcji prac malarskich Muzeum Uniwersyteckiego Uniwersytetu Mikołaja Kopernika znajduje się przeszło sto prac artysty, powstałych podczas walki w Italii. W niniejszym albumie zamieściliśmy wszystkie z nich z wyjątkiem kilku niewyraźnych szkiców na rewersach. „Opowieść” Turkiewicza rozpoczyna się jeszcze na statku płynącym do Italii, a kończy podróżą po wyzwolonych miastach włoskich: Bolonii i Loreto.

W roku 1991 prof. Zbigniew Raszewski pisał o potrzebie podjęcia badań nad ikonografią teatralną i opracowania jej dokładnej dokumentacji. Studium Alicji Kędziory stanowi rzetelną realizację tego postulatu, ale przekracza tradycyjnie pojmowane granice dokumentacji. Zjawisko ikonografii zostało rozpatrzone – zgodnie z dyrektywami historyków sztuki – z różnych punktów widzenia, m.in. technologicznego, ekonomicznego, informacyjnego, kulturowego, socjologicznego, artystycznego. Powstała książka (… ) „stanowi próbę przybliżenia historii teatru poprzez jego wizualność, cechę jemu od zawsze immanentną, walor, który w drugiej połowie XIX w. zaczął się rozprzestrzeniać na różne sfery życia, niejednokrotnie zacierając ostro wcześniej wyznaczone granice”. (… ) to frapująca opowieść zarówno o historii czasopisma, które dotąd nie ma monografii, jak i o dziejach teatru. Opisując bowiem poszczególne gatunki ikonografii teatralnej, wskazując jej relacje z innym sztukami prezentowanymi na łamach czasopisma, charakteryzując różne formy teatralne, Autorka ukazuje z nowej perspektywy przemiany widowiska teatralnego w jednym z najciekawszych okresów jego dziejów. Z recenzji prof. dra hab. Janusza Deglera

W roku 1991 prof. Zbigniew Raszewski pisał o potrzebie podjęcia badań nad ikonografią teatralną i opracowania jej dokładnej dokumentacji. Studium Alicji Kędziory stanowi rzetelną realizację tego postulatu, ale przekracza tradycyjnie pojmowane granice dokumentacji. Zjawisko ikonografii zostało rozpatrzone – zgodnie z dyrektywami historyków sztuki – z różnych punktów widzenia, m.in. technologicznego, ekonomicznego, informacyjnego, kulturowego, socjologicznego, artystycznego. Powstała książka (… ) „stanowi próbę przybliżenia historii teatru poprzez jego wizualność, cechę jemu od zawsze immanentną, walor, który w drugiej połowie XIX w. zaczął się rozprzestrzeniać na różne sfery życia, niejednokrotnie zacierając ostro wcześniej wyznaczone granice”. (… ) to frapująca opowieść zarówno o historii czasopisma, które dotąd nie ma monografii, jak i o dziejach teatru. Opisując bowiem poszczególne gatunki ikonografii teatralnej, wskazując jej relacje z innym sztukami prezentowanymi na łamach czasopisma, charakteryzując różne formy teatralne, Autorka ukazuje z nowej perspektywy przemiany widowiska teatralnego w jednym z najciekawszych okresów jego dziejów. Z recenzji prof. dra hab. Janusza Deglera

In this fascinating look at over 180 "hidden" images Helga Prignitz-Poda, one of the world's leading authorities on the Mexican artist, pulls back the curtain on masterpieces that rarely, if ever, see the inside of an exhibition or gallery. Illustrated with stunning reproductions of works that PrignitzPoda has discovered over the course of her career, this book helps expand our knowledge and understanding of this hugely popular artist. Arranged chronologically, the works include those Kahlo completed in her youth, works from her travels to America, paintings she made as an instructor in Mexico City, and a number of still-lifes from the last phase of her career. From largely unknown images, such as embroidery stitched at the age of five and doodles on love letters to her boyfriend Alejandro, to well-known works such as My Birth (1932), now owned by Madonna, and Remembrance of the Open Wound, which was destroyed in a fire, these "hidden" artworks create an invaluable resource for Frida Kahlo scholars and will be treasured by the painter's many fans.

Publikacja dokumentuje relikty malowideł z wczesnochrześcijańskiej katedry odkrytej w Faras przez ekipę polskich archeologów pod kierunkiem prof. Kazimierza Michałowskiego w latach 1961–1964 w związku z budową tamy asuańskiej. Dla każdego malowidła podane są dane metryczne, lokalizacja oraz stan zachowania. Katalog jest bogato ilustrowany fotografiami malowideł przed zdjęciem ich ze ścian oraz po konserwacji, załączono też tabelę wszystkich ornamentów i wzorów zarejestrowanych na malowidłach, a także tablice konkordancji oraz indeks.

Temat sądu nad Jezusem pojawia się w sztuce i literaturze już w chrześcijańskim antyku. Na wczesnych sarkofagach oraz w iluminatorstwie możemy odnaleźć przedstawienia, ukazujące Piłata jako symbol prawa, nawróconego grzesznika lub zatroskanego mędrca, na niektórych z nich Jezus nie jest nawet obecny. Wśród średniowiecznych przedstawień znalazły się również takie, na których Piłat pozostaje w zmowie z Żydami, a jego żonę, Prokulę, ukazano jako narzędzie diabła.. Jeden z najciekawszych typów ikonograficznych stanowią popularne w nowożytności obrazy i ryciny Iudicium sanguinarium contra Jesum Christum Salvatorem Mundi. Ukazują one scenę sądu, w której uczestniczy Piłat, Kajfasz oraz dziewiętnastu członków Sanhedrynu. Każda z przedstawionych postaci trzyma tablicę z inskrypcją, a w kartuszu zamieszczonym w centrum kompozycji zapisano formułę wyroku Piłata. Te intrygujące obrazy powstały pod wpływem przekonania o istnieniu wyroku Piłata oraz protokołu Sanhedrynu. Wzmianki o aktach Piłata pojawiają się w pismach autorów wczesnochrześcijańskich już od II wieku, a w średniowieczu i u progu nowożytności w licznych źródłach archiwalnych, rękopisach i starodrukach możemy odnaleźć różne wersje wyroku Piłata. Jedną z nich jest wyrok z Vienne, miejscowości, w której sędzia Jezusa miał popełnić samobójstwo. Spisany po łacinie dokument rzekomo został wykopany spod ziemi na początku XVI w. W 1580 roku nieopodal L’Aquili we włoskiej Abruzji, w ruinach starożytnego Amiternum, miasta związanego według lokalnych legend z Poncjuszem Piłatem, odkryto kamienną skrzynię ze starożytnymi dokumentami, wśród których znalazł się wyrok Piłata. Wydarzenie to stało się sensacją w całej Europie. Już w roku odkrycia zaczęto wykorzystywać tekst przeciwko Żydom, zmieniając odpowiednio jego treść i dodając do niego fikcyjny protokół Sanhedrynu zakończony słowami „Krew jego na nas i na nasze dzieci”. Właśnie ten apokryf znalazł się na wspomnianych obrazach Iudicium sanguinarium, które szybko rozprzestrzeniły się w Europie. Także w Polsce mamy zachowanych około 20 takich przedstawień. Niniejsza książka jest studium na temat niekonwencjonalnych obrazów sądu nad Jezusem oraz źródeł i wydarzeń historycznych, które mogły przyczynić się do ich powstania i kształtowania pod względem ideowym. Dzieła sztuki omówiono w szerokim kontekście historycznym i kulturowym, podejmując próbę ich systematyzacji ikonograficznej.

Features profiles and interviews with some of the world’s most creative and exciting artists and studios. Also includes comprehensive infographic-style directories; perfect if you’re looking for inspiration.

Termin "tatuaż" wywodzi się z języka polinezyjskiego ("tatau" – dosłownie: zostawić ślad - znak, malowidło) i został przywieziony i po raz pierwszy użyty, w relacji z podróży dookoła świata, przez angielskiego podróżnika Jamesa Cooka w 1773 roku. W 1873 roku został wprowadzony do słownika języka francuskiego, jako tatouage. W Biblii Marcina Lutra, z 1534 roku, można znaleźć wyraz stygmat, a w XVII wieku pojawiły się takie określenia, jak grafizm, hieroglif, czy piętno, Późniejsze nazwy były przyjmowane w pewnych środowiskach, np. przestępczych. W zakładach penitencjarnych tatuaż jest nazywany: wzorem, wzorkiem, dziargą, dziarganką, grawerką, haftem, kalką, malowanką, malunkiem, obrazem. Sam proces tatuowania nazywany jest analogicznie: dziarganiem, grawerowaniem, haftowaniem, malowaniem, rysowaniem, kłuciem oraz odkuwaniem. W tym specyficznym środowisku także sposoby tatuowania są różne: skórę nakłuwa się lub nacina, drapie czy też wciera się różne substancje po wcześniejszym odbiciu na ciele wzoru tatuażu. Tatuaż jest jedną z najstarszych form dekorowania własnego ciała, stosunkowo łatwo dostępną. Jest nie tylko kolorowym rysunkiem wykonanym na własnym ciele, lecz znacznie czymś więcej - symbolem, który ma swe korzenie sięgające daleko w przeszłość, w antykultury plemienne i pogańskie. Tatuowanie jest sposobem nadawania własnemu ciału osobistych cech, "tworzenie z niego prawdziwego domu i świątyni dla mieszkającego w nim ducha". Znamię, zwłaszcza gdy przyjmuje formę rysunku lub ornamentu na ciele, jest niczym pieczęć, znak lub sygnał, zaś jego najgłębsze znaczenie jest zakorzenione w symbolice blizn, jako ślad "kłów ducha". Czym więc jest dla wielu amatorów takiego sposobu znaczenia swojego ciała?

Kwiaty. Ptaki. Kobiety. Flowers. Birds. Women Magdy Słomskiej to dwujęzyczny album prezentujący przegląd prac autorki z lat 1995-2018. Są to prace pełne radosnej fantazji, harmonii i piękna. Słowo wstępne do albumu napisały Joanna Figuła-Czech i Agnieszka Zawadzka.

Książka poświęcona jest twórczości międzywojennych awangard oraz roli, jaką odgrywały w niej media technicznej reprodukcji i procesy transmisji obrazów. Nawiązując do tezy Waltera Benjamina z lat 30. XX wieku, mówiącej, że fotografia i dostępność reprodukcji zmieniły nowoczesne pojęcie sztuki, autorka opisuje, jak użycie reprodukcji i jej upowszechnienie wpływało na nowe sposoby prezentacji sztuki i tworzenie artystycznych sieci wymiany oraz jakie było jej miejsce w świadomości artystycznej pierwszych dekad XX wieku. W początkowych rozdziałach publikacji zostały zarysowane przemiany technik reprodukcyjnych związane z wynalezieniem fotografii, w tym sięgające XIX wieku genealogie idei uniwersalnej kolekcji dzieł sztuki - „muzeum wyobraźni” opartego na fotografii. Poruszając kwestie funkcjonowania reprodukcji w naukowym i popularnym obiegu, autorka rekonstruuje toczące się na ten temat debaty, przybliżając zróżnicowane stanowiska badaczy - historyków i krytyków sztuki - względem fotografii jako zapośredniczającego, transformującego narzędzia. Dalsze rozdziały zawierają szczegółowe analizy wybranych praktyk awangardowych - czasopism artystycznych, almanachów, publikacji teoretycznych i wczesnych prób (auto)historyzac ji sztuki awangardowe j. Ukazują one, jak środki mechanicznej reprodukcji - w większości afirmatywnie przyjmowane przez twórców - stawały się podstawą nowych form wizualnego przekazu oraz elementem retorycznych strategii. Zwracając uwagę na zależności między awangardowymi publikacjami a równoległym rozwojem popularnej prasy ilustrowane j, autorka stara się też uchwycić sposoby sytuowania się działań awangardowych w relacji do szersze j kultury wizualne j badanego okresu.

Twórz logotypy, które rzucają na kolana! Jak czerpać od najlepszych i zachować oryginalność? Gdzie szukać twórczych inspiracji? Jak negocjować z klientami? Logo to jeden z kluczowych elementów tożsamości wizualnej każdej marki. Może pomóc jej osiągnąć szczyt popularności albo zepchnąć ją w otchłań niebytu. Wszystko zależy od Ciebie. Dlatego zanim otworzysz jakikolwiek program graficzny lub weźmiesz do ręki ołówek, zobacz, jak robią to najlepsi, i zaczerpnij wiedzę całymi garściami. Powraca kultowa książka, którą pokochali wszyscy kreatywni projektanci! W wydaniu drugim, zaktualizowanym i rozszerzonym, autor otwiera przed Tobą fascynujący świat wizualnej identyfikacji marki. Pozwól mu przeprowadzić się bezpiecznie przez wszystkie etapy projektowania. Znajdziesz tu jeszcze więcej analiz przypadków, szkiców, logotypów, wskazówek dotyczących współpracy z klientami, anegdot oraz praktycznych informacji o tym, jak skutecznie zamknąć projekt - i zrobić to dobrze. Ta książka da także solidnego kopa Twojemu zmysłowi twórczemu i pomoże uniknąć zabójczej rutyny. Proces tworzenia logo - od ołówka do PDF-a. Zasady wyceniania projektów. Sztuka prowadzenia rozmów z klientami. Rozwiązywanie problemów z brakiem oryginalności. Analiza kultowych projektów. Unikanie zagrożeń związanych z rebrandingiem. Pomiary zwrotu z inwestycji w projekt. Tworzenie trwałych wizerunków marki w 31 praktycznych wskazówkach. Zrób logo, które stanie się kultowe! David Airey - niezależny projektant graficzny z Irlandii Północnej. Swoje umiejętności szlifował w Wielkiej Brytanii i Stanach Zjednoczonych, po czym podjął decyzję o wyspecjalizowaniu się w projektowaniu wizerunku marki. Poświęcone projektowaniu graficznemu blogi Davida - davidairey.com, logodesignlove.com oraz identitydesigned.com - każdego miesiąca odwiedza ponad 600 tysięcy internautów. Lista klientów Davida obejmuje wiele znanych firm, takich jak Yellow Pages, Asian Development Bank, blinkbox czy BBC.

Dzięki jasnym wskazówkom zawartym w tym praktycznym poradniku poznasz podstawowe zagadnienia dotyczące rysowania krajobrazu miejskiego i naturalnego oraz szybko nauczysz się tworzyć własne, ciekawe kompozycje.

Stwórz wspaniałe dzieła sztuki krok po kroku Doskonała propozycja zarówno dla dopiero rozpoczynających przygodę z rysunkiem, jak i dla doświadczonych artystów. Od podstawowych ćwiczeń kreski i stylu przez szkice martwej natury i pejzaże do rysunków zwierząt i portretów – na każdym etapie otrzymasz szczegółowe wskazówki, dzięki którym nie będziesz mógł się doczekać, aż weźmiesz do ręki ołówek. Nie musisz mieć opanowanych podstaw ani być ekspertem z zakresu historii sztuki. Wystarczy, że chcesz się uczyć i lubisz obserwować świat, a przede wszystkim – dobrze się bawić!

Nie potrzeba żadnych nadzwyczajnych przyborów ani wymyślnych materiałów piśmiennych, żeby robić słodkie rysuneczki. Angela Nguyen w prosty i zabawny sposób pokazuje, jak dodać wdzięku każdemu rysunkowi! I pokochać kawaii! Aż chce się chwycić długopis lub pióro i zacząć rysować! Angela Nguyen, autorka książki, jest popularną graficzką, ilustratorką książek dla dzieci, twórczynią serii komiksów „Somewhere in the World” („Gdzieś na świecie”). W Internecie, gdzie zamieszcza swoje prace jako Pikarar, ma ponad 40 tysięcy fanów. Młodych adeptów rysunku prowadzi, krok po kroku pokazując, jak rysować słodkie postaci, zwierzątka, rośliny, a nawet przedmioty – bo w kawaii wszystko się uśmiecha, ot, choćby i kanapka. „Urocze ilustracje zawsze kogoś uszczęśliwią – mówi. – Nawet jeśli narysuje się je tylko na serwetce, i tak umilą komuś dzień”.

Bestsellerowa biografia, finalistka Nagrody Nike Opowieść o fascynującym malarzu i myślicielu, w którego sztuce cała rzeczywistość podlega uświęceniu Książkę uzupełnia krótki przewodnik po malarstwie Mistrza Jerzego. Kolorowy dodatek pokazuje rozwój jego twórczości, zaskakujące spotkania form i tematów, a także kierunki poszukiwań. Ceniona pisarka, krytyk i historyk sztuki Krystyna Czerni zamyka książkę zdaniem: „Ukryta w tych obrazach zgoda ze światem może być dla oglądających wielką pociechą”. Recenzenci o Nietoperzu w świątyni: Rewelacyjną biografię Jerzego Nowosielskiego powinni przeczytać nie tylko miłośnicy sztuki. Ze zdumieniem, z zaskoczeniem, podziwem i zazdrością czytałem tę książkę, księgę właściwie. Najłatwiej wytłumaczyć zazdrość. Prawdziwa biografia to u nas rzadki ptak. Prawdziwą biografię pisze się latami i jest to katorga, której nie pojmie żaden górnik przodkowy. Tadeusz Nyczek, „Przekrój” Ta książka jest rewelacją z kilku powodów. Krystyna Czerni, autorka kilku publikacji o sztuce Nowosielskiego, zbadała jego życie na wylot. (…) Przeczytała chyba całą literaturę, od książek po drobne recenzje, rozmawiała z rodziną, przyjaciółmi, świadkami. Obszar, jaki objęła, jest imponujący. Dorota Jarecka, „Gazeta Wyborcza” Autorka nie ucieka (…) od tematów drażliwych: pytań o brak światowej kariery, powikłanych spraw damsko-męskich, jego rozlicznych słabości, w tym długoletniego alkoholizmu. Czyni to jednak z kulturą, bez chęci skandalizowania, oddając należny honor także rozlicznym zaletom jego ducha i osobowości. Piotr Sarzyński, „Polityka” Nic nam, czytelnikom, nie zostaje oszczędzone. (…) Czytając jego biografię, czuje się niemal fizyczny ból. Ból wiary, ból poszukiwań, ból rozdarcia, grzechu. To niezwykłe uczucie: znaleźć się nagle, za sprawą lektury, tak blisko kogoś o tak niespokojnej duszy. Wojciech Bonowicz, „Tygodnik Powszechny”

Książka podsumowuje badania prowadzone w latach 2012–2016 w ramach programu Ministra Nauki i Szkolnictwa Wyższego pod nazwą „Narodowy Program Rozwoju Humanistyki”. Jest pierwszą monografią malarskich dekoracji ściennych z lat 1795–1939 zachowanych w drewnianych świątyniach Wielkopolski. Kataloguje 77 zespołów malowideł. Atrybuuje i datuje dzieła, analizuje ich jakości artystyczno-stylistyczne, charakteryzuje ikonografie, programy dekoracyjne i systemy aranżacyjne; wskazuje związki z malarstwem monumentalnym, określa relacje z aktualnymi zjawiskami kultury religijnej.

Wybrane dzieła Jakuba Różalskiego, do których czołowi polscy pisarze stworzyli niezwykłe historie. Sylwia Chutnik, Jacek Dukaj, Aneta Jadowska, Anna Kańtoch, Jakub Małecki, Remigiusz Mróz, Łukasz Orbitowski, Robert J. Szmidt, Aleksandra Zielińska, Jakub Żulczyk Za każdym pociągnięciem pędzla kryją się całe wszechświaty. Michał Cetnarowski Mistrzowie słowa i dziesięć całkowicie odmiennych opowieści. Co je łączy? Fascynacja obrazami jednego z najbardziej docenianych polskich artystów współczesnych. Niesamowite obrazy Jakuba Różalskiego i ich nieoczywisty przekaz budzący niepokój, często grozę, znajdują odzwierciedlenie w historiach stworzonych przez znakomitych autorów. Fragment: issuu.com/wydawnictwosqn/docs/inne_swiaty_issuu